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TEREZA RULLER nos introduce en su DISTOPÍA GRÁFICA

wag1mag.com; 1. 3. 2019

Génesis y apocalipsis en un mundo virtual

Amanece. No hay nada. Restos de la extinción permanecen en la superficie terrestre. Residuos formados por una mezcla de materiales: lo orgánico y tecnológico se funden para formar pequeñas partículas.

Pasa el tiempo, y surge una nueva generación de humanos. La tecnología forma parte de su ADN. Las máquinas son antropomórficas. Las mujeres y hombres integran sistemas operativos.

 

No interactuamos con la dimensión de lo digital, sino que ahora, formamos parte de ella. 

 

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«Si me preguntas por la propuesta gráfica de los Seis Niveles, te diría que me llevó unas hora idearla por completo, plasmarla a través del diseño fue un proceso algo más largo. Pero también podría responder que en realidad es el fruto del trabajo de ocho años, el resultado de todos estos años de trabajo».

Co-fundadora del estudio de diseño holandés The Rodina, la creadora ha intervenido en las IED Talks, una serie de conferencias organizadas por el Instituto Europeo Di Design (IED) en Madrid, y desde WAG1 MAGAZINE hemos hablado con ella:

 

First things first, ¿quién es Tereza Ruller? ¿Cómo es tu trabajo en The Rodina?

Soy una diseñadora gráfica o diseñadora de «comunicación» (communication designer), depende de la perspectiva desde la que mires. En la actualidad, el diseño es una disciplina que está en constante movimiento y evolución, por lo que no se puede acotar en una sola categoría, sino que sus límites son muy difusos. Además, estudié Arte, por lo que suelo usar técnicas de este ámbito en mis diseños. Me gusta jugar y experimentar, y así hasta donde puede desarrollarse un diseño en concreto, y todo lo que puede llegar a ser. Así surgió el «diseño performativo», que interactúa con la gente de forma más directa que los proyectos gráficos «tradicionales».

Hace unos años fundé The Rodina Studio junto a Vit, que además de ser diseñador también, es mi marido, por lo que el trabajo nunca para. Nos resulta imposible separar la faceta profesional de la personal, así que desarrollamos todos los proyectos de forma muy cercana. Actualmente estamos preparando varias piezas de crítica social para evidenciar las dificultades a las que se enfrentan los jóvenes diseñadores que intentan hacerse un hueco en el mercado (falta de medios, trabajos no pagados, censura…).

También trabajo como educadora en la Escuela de Diseño de Eindhoven, donde intento transmitir a mis alumnos cómo el diseño no es una disciplina aislada, sino que está directamente conectado con toda la realidad en la que vivimos.

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¿Cómo definirías diseño?¿En qué consiste el diseño performativo (performative design)?

El diseño es básicamente acción, y permite «activar» al público en cualquier contexto. Se trata de un término muy amplio que abarca desde el diseño gráfico al interiorismo, pasando por categorías como la moda o el patronaje. No solo comunica. Para mi el diseño tiene el poder de transformar, no solo la realidad, sino que también ha modificado los comportamientos humanos a lo largo de las épocas. Por ejemplo ahora, el iPhone, ha configurado una nueva forma de ver la comunicación y de comprender el mundo mundo, y por eso creo que el diseño es algo tan poderoso, ya que refleja quienes somos y al mismo tiempo cambia nuestra realidad.

Ahora mismo, el diseño performativo para mi es «la práctica crítica del diseño», ya que no es neutro, sino que constituye una llamada a la acción. Implica no solo movimiento, sino también el cuerpo humano, sentimientos, y otros aspectos de la vida, todo enfocado a la interacción con el público. La principal diferencia de este tipo de diseño es que siempre muestra cuerpos humanos «haciendo algo».

 

¿Cómo comenzaste a experimentar y desarrollar esta disciplina? ¿Por qué?

Recuerdo que estaba estudiando (terminando mi formación académica) y pensaba constantemente: «Bueno, ¿y ahora qué? Me voy a graduar, ¿qué se supone que tengo que hacer ahora con mi vida?» Convertirse en diseñador es un proceso complicado, ya que el trabajo creativo se suele valorar muy poco y lo más importante es saber crear valor, y cómo encontrar y desarrollar tu propio valor. Cuando veo un diseñador que me gusta, pienso en lo increíble que es su trabajo pero también me detengo a preguntarme ¿cuál es su valor? ¿Qué ofrece que lo hace único?

A veces el valor solo se puede mostrar a través del dinero. A pesar de que somos una generación 100% digital, seguimos dependiendo del dinero para dar a conocer nuestro trabajo. Hay muchos buenos diseñadores que no llegan a nada porque carecen del dinero de empresas que los apoyen y contraten, mientras que triunfan otros que realizan un trabajo más «mediocre». Ese es el punto de partida de mi proceso creativo, es como mi gran tema, sobre el que siempre estoy investigando sobre cómo llegamos a crear nuestro valor. De la creación de valor surge la idea de la «performing generation», es decir, pasamos el tiempo mostrando lo que hacemos pero no cómo lo hacemos, por eso es una performance, yo muestro todo el proceso.

 

 

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We do not create posters, we do not create webs, we do not create corporative identity. We do all these things. Together, all happening at the same time. That’s performative design      – Tereza Ruller.

 

 

¿Cómo se relacionan arte, diseño y arquitectura en tu trabajo?

El diseñador, al fin y al cabo es como un ingeniero y un arquitecto, ya que tiene que crear desde el espacio en blanco, y acomodar ese espacio a la comunicación. Sin embargo el espacio en blanco para el diseño es mucho más pequeño y claramente delimitado. Además, el diseño es efímero, pero las construcciones permanecen a lo largo de los años. Gracias al arte, el diseño es mucho más interactivo en la actualidad, y no se concibe una disciplina sin la otra, ya que hay arte en todo lo que nos rodea, y el diseño refleja la realidad en la que nos movemos. Por tanto, estas tres dimensiones se generan de manera «automática» cuando decido empezar un trabajo, porque se retroalimentan y sirven de soporte a todo el proceso.

 

¿Se puede apreciar un diseño sin tener conocimientos artísticos? ¿Es suficiente la intuición para valorar una propuesta gráfica?

No es tan importante el conocimiento, sino la cultura visual, y eso es algo que todos tenemos. Todo nuestro entorno desprende cultura visual, y esta forma parte de la historial universal de la especie humana. La hemos creado nosotros, es la sociedad la que genera la cultura, y por eso es algo que ya llevamos dentro, y que no deriva de ningún tipo de formación académica.

En mi opinión, sí. Basta con esa sensación que te produce cualquier elemento visual cuando lo ves por primera vez. Te paras y ya sabes si te gusta o no. Para mí, el diseño se basa también en la provocación, en hacer que la gente se pare en seco a reflexionar, y eso va más allá de gustos. Por tanto, más allá del placer estético, que la gente quede importada por un diseño concreto, es lo principal.

 

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En trabajos como «Shadows in Paradise» o «Playbour: supersonic» haces una fuerte crítica a los sistemas productivo y económico actuales, ¿es esta la principal fuerza inspiradora de tus creaciones?

Realmente sí. Al final todo mi trabajo está denunciando lo mismo: la post-revolución industrial o revolución tecnológica y sus consecuencias para la humanidad. Veo que no somos más que miles de números en un gran cuadro Excell, de los que solo se espera que sean productivos. En muchos casos desarrollamos trabajos que no nos gustan, durante horas, sin saber hacia dónde nos lleva eso. Hemos renunciado a pensar para sobrevivir, dejamos que otros (los que poseen toda la riqueza del mundo) dibujen las estrategias, y eso está acabando con nosotros. Gracias a mi herramienta, que es el diseño, puedo mostrarlo y hacer una crítica.

 

¿Cómo usas el color en tus creaciones? ¿Qué tonalidad no usarías jamás para un diseño?

Cuando estaba empezando, tenía un libro sobre teoría del color, y pensaba que me serviría para explicar mi trabajo, ante un cliente por ejemplo. Pero más tarde me di cuenta de que tanta teoría era una mierda. A nadie le interesa realmente saber qué significa un color u otro. Tienes que hacer valer tu trabajo más allá de la teoría. Ahora uso el color de manera libre. Si no hay una pauta establecida por el cliente o es un trabajo que desarrollo por mi cuenta, voy probando unos tonos u otros, de forma intuitiva, hasta ver qué es lo que más se adapta a lo que quiero transmitir.

Además, me gusta usar muchos colores, ya que prefiero arriesgar. Si únicamente empleas un par de tonos, no estás arriesgando nada. Yo siempre uso muchos porque comunicar con todos ellos es un reto.

Ninguna en concreto, pero es cierto que el marrón es un color que se vende muy mal. Nunca digas que algo es marrón. Úsalo, pero a la hora de nombrarlo di que es tono café, tostado o incluso dorado intenso, pero nunca marrón a secas.

 

 

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Uno de tus últimos trabajos estaba relacionado con el poder unificador del maquillaje en la sociedad coreana, pero ¿cómo crees que será el maquillaje del futuro en Europa?

Sí. El problema es que en Corea del Sur, el maquillaje se usa para matificar en exceso los rostros, ocultando cualquier rasgo que identifique al individuo. Es muy distinto de Europa, donde se emplea para resaltar esas características única de cada persona. Eso fue lo que me llevó a realizar este trabajo, en el que uso imágenes  de mi propia cara como espacio de diseño.

Creo que en el futuro usaremos un maquillaje similar a los filtros de Instagram, algo de quita y pon, que cubra todo el rostro, pero que no contamine. ¡El planeta se está muriendo, y los datos son alarmantes!

 

 

¿Cuál es el principal problema del mundo actual? ¿Qué es lo que está haciendo mal la sociedad posmoderna?

El fallo está en el hecho de que todos estamos conectados. Y sí, esto es un problema. Esta interconexión hace que sepamos lo que pasa en todas partes, pero no actuemos, sino que cada vez vivimos más centrados en nuestra parcela de realidad. Hay expertos en todo: economía, salud, medioambiente, política… y el problema es que no se comunican entre ellos. Todo está relacionado en este mundo, por lo que no podemos vivir de forma aislada más tiempo.

 

Embrace your complains. Turn these complains in something positive and never stop believing in what you’re doing, cause you’re doing right. You need to experiment and fail to start again    – Tereza Ruller

 

Unas palabras para los lectorxs de WAG1MAG… 

«Challenge yourself, and stay always curious»

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